معلومة

تابوت بورغيزي

تابوت بورغيزي


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

صورة ثلاثية الأبعاد

تابوت روماني ، 250-300 م ، بانتانو بورغيزي (إيطاليا) ، من الرخام. مصنوع من ReMake و ReCap Pro من AutoDesk.

يوجد تمثال نصفي للمتوفى في وسط الخزان ، ومجلد (لفافة من ورق البردي) في اليدين. أمامها ، يتم وضع جسم كروي على مذبح. على كل جانب ، يدعم الجني (Hypnos أو Thanatos؟) ستارة (parapetasma). يحيط بالمجموعة طاووس وأسد يلتهم الوعل ، بمعنى آخر ، الحيوانات ترمز على التوالي إلى البقاء الروحي للبشرية وتدميرها المادي بالموت. أعيد استخدام هذا التابوت كحوض نافورة.

لمزيد من التحديثات ، يرجى متابعة متابعتي على Twitter علىGeoffreyMarchal.

دعم لدينامنظمة غير ربحية

موقعنا منظمة غير ربحية. مقابل 5 دولارات شهريًا فقط ، يمكنك أن تصبح عضوًا وتدعم مهمتنا لإشراك الأشخاص ذوي التراث الثقافي وتحسين تعليم التاريخ في جميع أنحاء العالم.


ملف: أمام تابوت عمودي يظهر عمال هرقل ، 160 م ، أحد الأمثلة الأولى للإنتاج الآسيوي للتوابيت المقوسة ، جاليريا بورغيزي ، روما (21486345669) .jpg

انقر على تاريخ / وقت لعرض الملف كما ظهر في ذلك الوقت.

التاريخ / الوقتظفريأبعادمستخدمتعليق
تيار17:52 ، 26 ديسمبر 20154،361 × 1،750 (3.76 ميجابايت) (نقاش | مساهمات) تم النقل من Flickr عبر Flickr2Commons

لا يمكنك الكتابة فوق هذا الملف.


رسام ولغز # 8217s مخفي في روما وحدائق بورغيزي # 8217s

فيلا بورغيزي

ال فيلا بورغيزيهي حديقة خضراء وهادئة في قلب روما. مكان رائع للتنزه في أي يوم ، توفر الحديقة التي تبلغ مساحتها 128 فدانًا مجموعة من المعالم السياحية ، بما في ذلك ثلاثة متاحف وبحيرة ومعابد ونوافير وسط مظلة خضراء رائعة.

نافورة في الحدائق

في الأصل كان كرمًا ، أعاد الكاردينال سكيبيون بورغيزي تصميمه وتوسيعه إلى حديقة خاصة في عام 1605 ، ليبني المهيب معرض بورغيزيفي نفس الوقت. أصبحت الحديقة عامة في عام 1903 بعد أن اشترتها مدينة روما.

المقدس والدنس

داخل معرض بورغيزي معلقة اللوحة بذلك يكتنفها الغموض أن مؤرخي الفن اليوم لا يزالون يفكرون في المعنى المحتمل وراء التصوير. وقع الكثيرون على مر السنين في حب جمالها الهادئ ، في حين انبهر البعض الآخر بأسرارها الخفية ورمزيتها. ليس هناك شك في أن الكثير من الحيرة تحيط بهاتين المرأتين تيتيان & # 8217sلوحة، الحب المقدس والدنس، الذين يبدو أنهما نفس الشيء.

كما تقول القصةتيتيان بتكليف من نيكولو أوريليو ، أحد مجلس التسعة في البندقية ، ليرسم القطعة على شرف زواجه من لورا باجاروتو. لكن ليس لدينا أي فكرة عما أطلق عليه تيتيان في الأصل. تم العثور على القطعة في أرشيف Borghese Gallery & # 8217s في 1693 بالاسم ، أمور ديفينو وعمور بروفانو (الحب الإلهي والحب الدنس).

تبدو اللوحة بسيطة بما يكفي للوهلة الأولى & # 8211 لورا باجاروتو ، العروس الجديدة ، تجلس باللون الأبيض الفخم بجوار كيوبيد أو ملاك ، بينما تساعدها فينوس في فهم الحب الأرضي والسماوي. تحمل لورا إناء من الجواهر يرمز إلى السعادة العابرة على الأرض بينما تحمل الزهرة الشعلة لأعلى ترمز إلى السعادة الأبدية في الجنة. على الأقل هذا ما اعتقده مؤرخو الفن لأول مرة.

لكن ألق نظرة فاحصة & # 8211

السيدتان تجلسان على قديم تابوت روماني مملوء بالماء. يحرك كيوبيد الماء بينما يصب صنبور في مقدمة التابوت الماء على نبات تنبت. كما لو أن هذا لا يكفي لجذب الانتباه ، تحدث أشياء غريبة في الخلفية. الحصن ، الذي يقع على تل خلف السيدة الملبسة ، هو رمز نموذجي للحرب والإنسانية يمكن أن يرمز إلى الدنيوي (الدنيوي). شوهد صياد على ظهور الخيل راكبًا إلى القلعة ، لكن بينه وبين المرأة التي ترتدي ملابس أرنبان ، رمزان للخصوبة. على الجانب الآخر خلف السيدة العارية توجد كنيسة يمكن أن ترمز إلى المقدس. يلمح اثنان من الصيادين على ظهور الخيل وكلب (رمز الحياة المنزلية) إلى أن المرأة العارية هي فينوس (صلة بالصيد). ولكن قد يظن المرء أن المرأة التي تلبس تمثل الحب المقدس ، والمرأة العارية الدنيوية ، أو المحبة الدنيوية.

توجد رموز الحب في كل مكان ، من الورود على التابوت إلى الآس الذي تحمله المرأة التي ترتدي الملابس ، مما يدل على السعادة الزوجية.

بالإضافة إلى ذلك ، ترتدي السيدة ذات الثياب الثرية قفازات للصيد بالصقور ، وتحمل حقيبة مجوهرات ترمز إلى الملذات الدنيوية. إنها تجلس بقوة وأقل قليلاً من المرأة العارية.

من ناحية أخرى ، لا يحتاج الجمال السماوي إلى زينة أرضية. هل المرأة العارية مقدسة؟

هل كيوبيد يحمل المفتاح؟

كوكب الزهرة هو إلهة الحب لذلك سوف يحوم كيوبيد بشكل طبيعي في مكان قريب. هل من الممكن ، من خلال تحريك المياه في التابوت بين السيدتين ، أن كيوبيد يقترح في الواقع أن الحب المثالي هو مزيج من هذين النوعين؟

لكننا استندنا في كل هذا إلى افتراض أن اللوحة تدور حول الحب المقدس والدنس. نظرًا لأننا لا نعرف الاسم الأصلي ، فربما لا علاقة له بهذين الحبيبين.

كان تيتيان الرسام الأكثر شهرة وشهرة لمريم المجدلية. د. فرانسيس ب. ديستيفانو في مقالته ، & # 8220 تحويل مريم المجدلية & # 8221 يناقش احتمال أن تكون المرأة التي ترتدي العباءة في اللوحة هي الزانية عند نقطة التحول ، وأن المرأة العارية هي المجدلية التي تم تحويلها حديثًا. لقد رأى الكثيرون المرأة ذات الملابس الأنيقة كعروس ، لكن هل من الممكن أن تكون الفاتنة؟

دعونا نترك هذا اللغز الذي لم يتم حله للمحترفين ونعيد أنفسنا إلى الحديقة. الصيف في حدائق فيلا بورغيزييجلب مكانًا كاملاً من الحفلات الموسيقية ، مما يجعل الحياة في الهواء الطلق أكثر جاذبية. الحديقة والممرات الرومانسية رقم 8217s ، والنوافير المريحة ، والأشجار الرشيقة ، والمناظر الخلابة للمدينة خاصة عند غروب الشمس ، والبحيرة والحدائق السرية تجعلها مكانًا مثاليًا لقضاء فترة بعد الظهر في الصيف.

مدخل حدائق فيلا بورغيزي


إيطاليا & # 8217s اللوحات الأكثر غموضًا: تيتيان & # 8217 s الحب المقدس والدنس

تيتيان & # 8217s الحب المقدس والدنس هي جوهرة روما & # 8217s معرض بورغيزي & # 8230 وواحدة من أشهر لوحات عصر النهضة الإيطالية. لقد كان & # 8217s محبوبًا جدًا ، في الواقع ، أنه في عام 1899 ، عرضت عائلة روتشيلد دفع 4 ملايين ليرة لمعرض بورغيزي مقابل القطعة - على الرغم من أن المعرض & # 8217s مجموعة كاملة ، والأراضي ، بلغت قيمتها 3.6 مليون ليرة فقط!

ربما تكون اللوحة مشهورة جدًا لمجرد جمالها ولأنها تحفة فنية لعصر النهضة تيتيان العظيم.

أو ربما وقع الناس في حبها بسبب أسرارها الخفية ورمزيتها - وكثير منها مؤرخو الفن ساكن لا أفهم تماما!

هناك & # 8217s الكثير من الأشياء الغامضة التي تحدث هنا.

للوهلة الأولى ، قد تبدو اللوحة وكأنها مجرد صورة أخرى لسيدتين جميلتين ، بخلفية رعوية خلفهما.

بادئ ذي بدء ، هناك النساء أنفسهن. أحدهما مُلبس ومُرصَّع بالجواهر ويبدو أنه مصنوع من مستحضرات التجميل. كانت ترتدي قفازات وتمسك بنبتة من نوع ما. الآخر (تقريبًا) عارٍ تمامًا ، يحمل شعلة فقط.

الكنيسة والمراعي في الحب المقدس والدنس

ثم انظر إلى ما يجلسون عليه & # 8217re. هذا & # 8217s لا يوجد مقعد رخامي منحوت & # 8230 الذي & # 8217s تابوت. بعبارة أخرى ، نعش من النوع الذي استخدمه الرومان القدماء.

وهو تابوت غريب ، لأنه يبدو مملوءًا بالماء ، والذي يحوم حوله طفل كروبي.

انظر عن كثب ، ويمكنك أن ترى صنبورًا في التابوت الحجري & # 8217 الأمامي ، والذي يتدفق منه الماء ، ويبدو أنه يسقي نباتًا ناميًا في الأسفل.

في الخلفية ، في هذه الأثناء ، لديك بعض الأشياء الغريبة الأخرى التي تحدث: على يسارنا ، يتسابق حصان وراكب على قمة جبل إلى قلعة تلوح في الأفق ، بينما يبدو أن اثنين من الأرانب يلعبان (أو يطاردان بعضهما البعض) على يميننا ، أيها الرعاة قطيع غنم في مرعى أمام كنيسة خلابة ، بينما يطارد كلب أرنبًا.

لا شيء هنا عن طريق الخطأ. وماذا تعني هذة؟

نحن لسنا متأكدين. علينا الاعتماد على معرفتنا باللوحة & # 8217s الرموز والمعاني الخفية تجده في الخارج. وهذا & # 8217s لأن & # 8230

لا نعرف حتى العنوان الحقيقي لواحدة من أشهر اللوحات في أوروبا

على الرغم من أن القطعة تسمى الحب المقدس والدنس ، هذا & # 8217s ليس اسمه الأصلي. في الواقع ، نحن لا نعرف ما هو اسمها الأصلي.

هنا & # 8217s ما نحن فعل تعرف: رسم تيتيان القطعة في 1513-1514 ، عن عمر يناهز 25 عامًا. وتم تكليفه للاحتفال بزواج نيكولو أوريليو ، سكرتير مجلس مدينة البندقية ، من لورا باغاروتو. لم يتم إدراج أي اسم في سجلات اللوحة ، ولكن في عام 1693 ، أي بعد 200 عام تقريبًا من رسمها ، ظهرت في معرض بورغيزي & # 8217s تحت الاسم أمور ديفينو وعمور بروفانو (& # 8220divine love and vivine love & # 8221).

& # 8230 أو ما يفترض أن تعرضه & # 8217s.

لفترة طويلة ، اعتقد مؤرخو الفن أن اللوحة كان من المفترض أن تُظهر نوعين مختلفين من الحب: المقدس ، والدنس.

من الآمن بالتأكيد أن نقول أن اللوحة تدور حول الحب. تنتشر رموز الحب في كل مكان ، من الورود على التابوت الحجري إلى الآس المرأة على المشابك اليسرى (المزيد عن ذلك لاحقًا!). وبالطبع ، كانت اللوحة هدية زواج ، مما سيجعل هذا التركيز مناسبًا للغاية.

ولكن هل يظهر مقدس و دنس حب؟ حسنًا ، إذا كان الأمر كذلك ، فقد يفسر ذلك الخلفية. الحصن ، رمز الحرب والإنسانية ، يمكن أن يرمز إلى الدنس (أو الدنيوي) ، من الواضح أن الكنيسة ترمز إلى المقدس.

ويمكن أن تفسر المرأتين. ربما من المفترض أن يكون أحدهما فينوس يظهر ما يشبه الحب الدنيوي الآخر ، فينوس يظهر لنا الحب المقدس.

لكن السؤال المثير للاهتمام هو:

إذا كان هذا صحيحًا ، إذن أي من المرأتين يمثل الحب المقدس ، وأيهما هو الدنس؟

هل العري في الحقيقة علامة مقدسة؟ (يمكن!)

للوهلة الأولى ، قد تعتقد أن المرأة التي على يسارنا تمثل الحب المقدس. بعد كل شيء ، كانت ترتدي ملابس! الآخر ، العاري ، سيمثل ، بالطبع ، الحب الدنيوي الغرامي.

تدعم بعض جوانب كل زي نسائي & # 8217 هذه النظرية ، لأن هناك الكثير من الرموز المخفية هنا! على سبيل المثال ، كان حزام المرأة الملبس # 8217s يُعتبر عمومًا رمزًا للعلاقات الزوجية وكان الآس في يدها يرمز إلى السعادة الدائمة للزواج. من ناحية أخرى ، فإن شعلة المرأة العارية # 8217s ترمز إلى الشهوة الأرضية.

لكن انظر مرة أخرى ، وسترى نفس القدر من الرمزية التي تشير إلينا في الاتجاه المعاكس. لسبب واحد ، المرأة التي ترتدي ملابس جالسة ، وبالتالي أدناه-وأقرب إلى الأرض من نظيرتها عارية. كانت ترتدي قفازات للصيد بالصقور أو للصيد ، وتمسك صندوقًا من الجواهر ، وكلاهما من علامات الملاحقات الدنيوية. وكانت ترتدي ملابس فخمة للغاية (وليس كل هذا محتشماً!) ، بأقمشة غنية وحتى لمسة من مستحضرات التجميل.

لكن الجمال السماوي لا يحتاج إلى أي زينة دنيوية. لذلك ، قد تكون المرأة العارية مقدسة.

دوامات الماء في التابوت & # 8230 وتسقي نبتة متنامية؟

بالطبع ، هذا & # 8217s لا طفل بين تصويرين للحب (في هذا التفسير ، نسختان من Venus ، إلهة الحب ، هي نفسها): إنه & # 8217s كيوبيد. من خلال مزج المياه في البئر / التابوت الحجري ، قد يشير إلى أن الحب المثالي هو ، في الواقع ، مزيج من هذين النوعين.

لكن هذه اللوحة قد لا تكون حتى عن الحب المقدس والدنس.

في القرن العشرين ، جادل مؤرخ الفن والتر فريدلاندر بأن اللوحة لم تكن تدور حول هذين النوعين من الحب على الإطلاق. كان يعتقد أنه أظهر بوليا وفينيري ، وهما شخصيتان في فرانشيسكو كولونا & # 8217s الرومانسية الشعبية 1499 نقص المعدة Poliphili (لا تقلق ، لن يكون هناك اختبار على هذا الاسم!).

تفسير آخر & # 8217s أكثر بساطة & # 8230 ويعطي الكثير من المعنى؟ يمكن أن تُظهر اللوحة العروس ، لورا باجاروتو ، نفسها ، مرتدية ملابس بيضاء عذراء على اليسار. والمرأة العارية على اليمين؟ قد تكون فينوس ، فتنطلق لورا في ما يشبه الحب - مكتملًا بإظهار الشغف اللازم لها لإنجاح الزواج (الشعلة).

لكن لا أحد يعلم ما تعنيه هذه اللوحة حقًا. هناك & # 8217s الكثير يحدث هنا ، هذا & # 8217s بالتأكيد. وقد أبقى مؤرخي الفن مهتمين - ويتجادلون! - لعدة قرون.

ماذا تعتقد؟ اسمحوا لنا أن نعرف في التعليقات!

ولا تنس أنه يمكنك معرفة المزيد عن هذه اللوحة ، وعن القصص الغامضة الأخرى ، والرمزية ، والفن ، في معرض بورغيزي مع تجربة متحف بورغيزي!


فسيفساء المصارع: القتال حتى الموت

ال فسيفساء المصارع ، عمل فني من أوائل القرن الرابع معروض حاليًا في معرض بورغيزي في روما، يسرد أسماء سلسلة من المقاتلين المفترض أن يسجلوا في التاريخ: Astacius و Astivus و Rodan و Belleronfons و Cupido و Aurius و Alumnus و Serpeniius و Meliio و Mazicinus وغيرها الكثير ...

بجانب الجثث المترامية الأطراف والملطخة بالدماء للقتلى ، توجد علامة صغيرة تشبه الصفر ولكنها في الواقع هي "ثيتا نيغروم" ، على الأرجح الكلمة الأولى للكلمة اليونانية "ثاناتوس" ، والتي تعني "الموت".

يصور الخريج في النصر: لقد كان أحد "retiarii" ، المصارعين السريعين والرشيقين الذين قاتلوا دون تغطية وجوههم ، مجهزين بالشباك والخناجر ، وكسبوا جمهورًا محبوبًا ودخلوا في الأحلام السرية لعدد لا يحصى من النساء.

عند قدميه ، يرقد Mazicinus في دمه: لقد كان "Secutor" ، وهذا هو المصارع "المطارد" الذي قاتل بخوذة ودرع وسيف قصير منحني يُعرف باسم "sica".

كتب شيشرون ذات مرة ، أي مصارع ذي سمعة معتدلة تأوه أو فقد وجهه ، أو أظهر نفسه جبانًا ، وهو يقف في القتال ، أو حتى وهو مستلقي ليموت؟ أو أي واحد منهم ، عندما استلقى على الأرض وأُمر بتلقي السكتة الدماغية القاتلة ، سحب رقبته إلى الوراء؟ (من "النزاعات Tuscolanae").

ثم هناك Serpenius ، مصارع "bestiarius" ، يستخدم رمحه لضرب النمر - أحد الحيوانات البرية العديدة التي ملأت المدرج ، المنتدى الروماني وسيرك ماكسيموس لتسلية الناس.

كما أشار جوفينال ، "هنا أرستقراطي متخصص في صيد الوحوش البرية. بالنسبة لهؤلاء النبلاء ، أصبح بلوغ الشيخوخة معجزة منذ أن بدأ نيرون في إجبارهم على إثبات شجاعتهم للناس من خلال الأداء في السيرك "(من" ساتورا ").


زيارة إلزامية

قصر التيمبس هو من أفضل المتاحف في روما، ولها ميزة إضافية تتمثل في يتم تضمين رسوم الدخول مع رسوم الفروع الأخرى لمتحف روما الوطني.

قصر التيمبس معرض قصر التيمبس

تابوت بورغيزي - التاريخ

ما أعرفه عن الفن يمكن أن يلائم رأس دبوس صغير جدًا. إذا كنت قد ذكرت بيرنيني لي قبل الأسبوع الماضي ، فربما اعتقدت أنك تقدم لي كوكتيلًا. حسنًا ، ربما أكون & # 8217d سمع برنيني ، ولكن فقط لأنني قرأت Dan Brown & # 8217s الملائكة والشياطين أمبير قبل رحلتنا. كارافاجيو ، بالنسبة لي ، كان اسم شخصية في المريض الإنجليزي عن من قرأت مع فكرة مزعجة في رأسي أنني سمعت هذا الاسم في مكان ما من قبل. لذا ، كما ترى ، أنا صغير السن. ولكن أقل قليلاً من واحدة بعد زيارتنا إلى جاليريا بورغيزي.

نظرًا لأننا كنا نقيم في Via Veneto ، فقد كان على بعد مسافة قصيرة سيرًا على الأقدام من حدائق Villa Borghese الجميلة ، والتي ذكّرتنا قليلاً بمنتزه سنترال بارك الضئيل. بينما كنا نسير في طريق مورق ، ظهرت الفيلا التي تعود للقرن السابع عشر حيث علق الكاردينال سكيبيون بورغيزي قبعته وجمع مجموعة فنية مذهلة.

لا تنسى البحث عن! السقف في غرفة الأباطرة.

أنا & # 8217m لست الوحيد الصغير في الغرفة. Caravaggio & # 8217s رأس جالوت هو صورة ذاتية.

كيف فعلها برنيني؟ إنه يجعل الرخام يشبه الجسد حرفياً في The Rape of Proserpina.

من المحتمل أن يكون برنيني المفضل لدي: تم الانتهاء من ديفيد (صورة ويكيبيديا) عندما كان برنيني يبلغ من العمر أربعة وعشرين عامًا فقط.

هذه السقوف وحدها تستحق الزيارة إلى روما.

التفاصيل من تابوت يصور عمال هرقل. (صورة Polloplayer)

ونعم ، لقد وجدت ديكًا!

الكاردينال Scipio & # 8217s vivarium حيث أبقى الطاووس والبجع والنعام. (صورة Polloplayer)

عند وصولك ، يجب أن تذهب إلى خط التذاكر لاستبدال القسيمة الخاصة بك. لقد ارتكبنا خطأ التفكير في القسيمة الخاصة بنا كنت التذكرة. أميركيون سخيفون ، أليس كذلك؟ عدنا إلى نهاية السطر. أوه ، وسطر واحد آخر لفحص حتى أصغر حقيبة يد. إذا استطعت ، اترك يوم زيارتك خلفك. كل هذه الخطوط (وجميع السلالم) هي جدري ، لكنها تستحق ذلك تمامًا!

لقد خرجت متحولة من Galleria Borghese & # 8211 جيدًا ، على الأقل أعرف الآن بيرنيني من Bellini. قررنا التوقف في السير إلى المنزل في بار Harry & # 8217s الأسطوري لطلب أحد هؤلاء وتحميص زيارتنا الرائعة إلى روما. نحن نواجه الكثير من المرح!


نحت القرنين الثامن عشر والتاسع عشر

يعد تاريخ النحت في القرنين الثامن عشر والتاسع عشر مجالًا ضخمًا يشمل بلدانًا مختلفة والعديد من التقنيات والعمليات التي يصعب أحيانًا على الأساتذة معالجتها ، خاصةً إذا لم يكن النحت في مجال خبرتهم. في خطة الدرس هذه ، اخترت النحاتين الأبرز والأكثر نقاشًا على نطاق واسع ، وحاولت اختيار مثال نحتي واحد على الأقل لكل نمط رئيسي من القرون المعنية (الروكوكو ، والكلاسيكية الجديدة ، والرومانسية ، والواقعية ، والانطباعية ، والرمزية. ). يمكن أيضًا تقديم الأعمال من خلال نهج موضوعي ، حيث يمكن استخدام الاختيارات لمحاولة مواضيع مثل الطبقة الاجتماعية سياسة القوة مقابل القهر استعباد صور الجسد عري و هيمنة الذكور على مجال النحت.

قد تكون إحدى طرق فتح المناقشة قبل بدء المحاضرة هي سؤال الطلاب عما يعرفونه بالفعل عن النحت. إذا درسوا الفن القديم ، فقد يكونون قادرين على تذكر مصطلحات مثل ضد طريقة صب الشمع المفقود نحت نحت متعدد الألوان في نحت دائري مقابل صب والمثالية مقابل الواقعية (صغيرة r ، كما في "الواقعية"). الاحتمال الآخر هو أن يقارن الطلاب بين تمثالين ، بما في ذلك واحد قد يعرفوه بالفعل من دراستهم للعالم القديم (على سبيل المثال ، أغسطس من بريما بورتا) مع إحدى المنحوتات الكلاسيكية الجديدة في هذا الدرس (على سبيل المثال ، Houdon’s جورج واشنطن). قد تكون المقارنات الأخرى لبدء بعض المحادثات هي المقارنة ، على سبيل المثال ، Praxiteles هيرميس مع ديونيسوس الرضيع مع كلوديون تسمم الخمر الإتروسكان متكئ الزوجان على تابوت من سيرفيتيري مع كانوفا بولينا بورغيزي بدور فينوس فيكتريكس أو ، لاحقًا في الدرس ، عملين معاصرين بشكل وثيق مثل Powers’s الرقيق اليوناني مع Hosmer’s زنوبيا في سلاسل. لقد اقترحت مواضيع مناقشة أخرى في نهاية هذه الوثيقة.

يمكن للمرء أيضًا أن يسأل عما إذا كان الطلاب يشعرون أن الرسم قد حظي أو يحظى باهتمام أكبر في الكتب المدرسية وعروض المتاحف أكثر من النحت ، أو ما إذا كان هذا يبدو أنه يتغير بمرور الوقت ، ولأي أسباب. قد يفتح هذا النقاش حول عدد اللوحات التي لم تنجو من العالم القديم أو كيف تم استخدام النحت تقليديًا وبشكل أساسي كعنصر زخرفي في الهياكل المعمارية. قد تتناول مناقشة مثيرة للاهتمام كيف ومتى بدأ النحت في الابتعاد عن الهندسة المعمارية ويكون قادرًا على الوقوف بمفرده كشكل فريد ومنفصل من الفنون الجميلة. قد يأخذ هذا الحديث بعيدًا جدًا إلى الوراء ، لكن العديد من علماء النحت يعتقدون أن مجموعة النحت إيكيهارد ويوتا في كاتدرائية Naumberg في ألمانيا (حوالي 1249–1255) يتمتع بالجودة العاطفية والقوة الفردية للنحت الأكثر حداثة ، على الرغم من أن المجموعة لا تزال مرتبطة إلى حد ما بالأعمدة التي تقع خلفها ، دوناتيلو هو بطل الرواية المتأخر ، ولكن الأكثر وضوحًا ، في تاريخ النحت بالحجم الطبيعي ، القائم بذاته ، غير القائم على العمارة ، خاصة في استخدامه للبرونز ، تبعه مايكل أنجلو وبيرنيني ، اللذان أتقنوا وسائط الرخام. قد يساعد استخدام المنحوتات التي يعرفها الطلاب بالفعل لتسهيلهم في مناقشة منحوتات لاحقة أكثر حداثة.

قراءات الخلفية

جان أنطوان هودون ، جورج واشنطن, 1788–92.

للحصول على مخطط عام لأعمال النحاتين الرئيسيين والموضوعات داخل النحت من الفترة التي تمت مناقشتها هنا ، انظر جورج دوبي وجان لوك دافال ، محرران ، النحت: من عصر النهضة إلى يومنا هذا (هونغ كونغ: تاشين ، 2006).

للحصول على منحوتات من العصر الفيكتوري وإدخالات ممتازة في Powers and Hosmer ، انظر Martina Droth و Jason Edwards و Michael Hatt ، محرران ، النحت المنتصر: الفن في عصر الاختراع ، 1837–1901 (نيو هيفن ولندن: مركز ييل للفنون البريطانية ومطبعة جامعة ييل ، 2014).

للحصول على دليل أساسي ولكنه مفيد للتقنيات والصفات الشكلية للنحت عبر تاريخ الفن ، انظر هربرت جورج ، عناصر النحت: دليل المشاهد (لندن: فايدون ، 2014).

موارد الويب:

نظرًا لأن متحف متروبوليتان للفنون في نيويورك يحتوي على أمثلة للأعمال الفنية لجميع الفنانين الاثني عشر الذين تم اختيارهم لهذا الدرس ، فإن موقع الويب الخاص بهم على www.metmuseum.org والجدول الزمني لتاريخ الفن في www.metmuseum.org/toah يمثلان موارد ممتازة.

قد يكون من المفيد عرض مقطع فيديو أو مقطعين حول صناعة النحت والعمليات ، حيث يخلط الطلاب أحيانًا بين كيفية نحت الرخام وطريقة تشكيل البرونز. أيضًا ، عندما يشهد الطلاب صعوبة (وخطر صب البرونز) في صنع النحت باستخدام التقنيات التقليدية ، فإنهم يميلون إلى تقدير الأعمال الفنية بشكل أكبر. هناك العديد من مقاطع الفيديو للاختيار من بينها ، ولكن تتضمن مقاطع الفيديو الجيدة بشكل خاص ما يلي:

  • صنع تمثال من الرخام، موقع يوتيوب
  • تقنية المصبوب البرونزي لأدريان دي فريس: طريقة الشمع المفقود المباشر، يوتيوب (متحف جيتي)
  • صب البرونز: طريقة الشمع المفقود غير المباشرة، يوتيوب (متحف جيتي)

اقتراحات المحتوى

ملحوظة: خلال القسم التالي ، يتم ربط الاقتراحات المميزة بعلامة النجمة أو أي رمز آخر بأفكار التخصيص في ملف في نهاية الفصل قسم أدناه.

نطاق المحاضرة:

عند مراجعة بعض الكتب المدرسية الأكثر شيوعًا حول تاريخ الفن المستخدمة حاليًا ، اخترت اثني عشر نحاتًا يظهرون غالبًا في مثل هذه النصوص. حاولت أيضًا التركيز على أعمال هؤلاء النحاتين الاثني عشر حيث يمكن العثور على مواد على الإنترنت حول الفنانين وأعمالهم باللغة الإنجليزية والأعمال التي كانت جزءًا من مجموعات المتاحف الكبرى. في ال في نهاية الفصل في القسم أدناه ، أقترح بعض الفنانين والأعمال الفنية الإضافية التي يمكن إضافتها إلى هذا الدرس إذا سمح الوقت و / أو الاهتمام بالموضوع. تم إنتاج أقوى عمل في الفترة المعنية في فرنسا ، وبالتالي يركز الدرس بشكل أساسي على النحت الفرنسي. ومع ذلك ، لا يمكن حذف أنطونيو كانوفا الإيطالي ، حيث تدفقت سمعته وتأثيره على نطاق واسع ، والأعمال الفنية للأمريكيين حيرام باورز ، وهارييت هوسمر ، وأغسطس سان جودان ضرورية لفهم التأثير المتبادل بين أوروبا وأوروبا. الولايات المتحدة في وقت صنع المنحوتات.

يمكن استكشاف هذه المادة في ساعة وخمس عشرة دقيقة من خلال مجموعة متنوعة من الأمثلة ، بما فيها:

  • كلوديون تسمم الخمر، ج. 1780-90
  • جان أنطوان هودون ، جورج واشنطن، ج. 1788–92
  • أنطونيو كانوفا ، بولين بورغيزي في دور فينوس فيكتريكس, 1808
  • فرانسوا رود ، رحيل المتطوعين (مرسيليا), 1836
  • حيرام باورز ، الرقيق اليوناني, 1844
  • هارييت هوسمر ، زنوبيا في سلاسل, 1862
  • جان بابتيست كاربو ، الرقصة, 1865–9
  • أوغست رودين العصر البرونزي, 1876
  • كميل كلوديل الفالس, 1889­–90
  • إدغار ديغا ، الراقصة الصغيرة البالغة من العمر أربعة عشر عامًا, 1880
  • جول دالو ، الفلاح العظيم, 1898–1902
  • Augustus Saint-Gaudens ، نصب آدمز التذكاري, 1886–91

النحت المعماري: النحت مرتبط بالعمارة كأساس لها.

النحت الإضافي: نحت تم إنشاؤه عن طريق البناء أو النمذجة (على سبيل المثال ، بالطين) بدلاً من إزالة المواد من مصدر أكبر (على سبيل المثال ، إزالة الرخام بالإزميل).

يتمركز: دعامة قطعة نحتية.

يقذف: لتشكيل شكل ثلاثي الأبعاد عن طريق صب المواد (على سبيل المثال ، المعدن المنصهر ، أو الجص السائل ، أو البلاستيك) في قالب أو شيء يتكون بهذه الوسيلة. يمكن أن يشير المصبوب أيضًا إلى انطباع يتكون في قالب أو مصفوفة. [تعريف من قاموس ArtLex الفني]

مطاردة: عملية تشطيب وتنقية سطح جسم معدني عن طريق انبعاجه بدلاً من نقشه بأدوات فولاذية مثل أدوات التتبع ، والحلويات ، واللكمات ، وأدوات الصقل. يمكن إجراء المطاردة لإزالة العيوب والبقع الخشنة على قالب برونزي يتشكل بالضرورة في عملية الصب. يمكن أيضًا إجراء المطاردة لتزيين الأسطح المعدنية عن طريق نقشها أو تفريغها باستخدام الأدوات. [ArtLex]

"Cire-perdue" / طريقة صب الشمع المفقود: عملية صب يجب من خلالها على النحات أن يقوم أولاً بإنتاج منحوتاته من الشمع ، ثم عمل قالب حول هذا المصنوع من مواد مقاومة للحرارة. عندما يتم تسخين القالب ، يذوب الشمع بعيدًا بحيث يمكن للمعدن المنصهر أن يحل محله ، مما ينتج عنه بالضبط منحوتة الشمع الأصلية. [ArtLex]

النحت الدائري: أن ينظر إليها من جميع الجهات قائمة بذاتها على عكس التضاريس. عند الإشارة إلى النحت ، فإن النحت الدائري محاط بالمساحة من جميع الجوانب. [ArtLex]

فريق الحياة: لعمل قالب لجسم الإنسان بدلاً من النحت من نموذج.

ماكيت: تمثال صغير مصنوع كدراسة تمهيدية أو نموذج لعمل كامل الحجم. [ArtLex]

وسائل اعلام مختلطة: تحتوي على عدة مواد في عمل فني واحد.

الزنجار: لمعان أو تلوين على أي سطح ، سواء كان غير مقصود أو ناتج عن العمر أو مقصود ونتج عن طريق المحاكاة أو التحفيز ، مما يدل على عمر الكائن & # 8217s. غالبًا ما تتطور الأجسام البرونزية إلى الزنجار الأخضر. [ArtLex]

ارتياح (مرتفع / منخفض / غارق): نوع من النحت يتم فيه تشكيل مشاريع من الخلفية. هناك ثلاث درجات أو أنواع من الارتياح: مرتفع ومنخفض وغارق. في نقش بارز ، تبرز الأشكال بعيدًا عن الخلفية. في الإغاثة المنخفضة (المعروفة أيضًا باسم الإغاثة الأساسية) ، فهي ضحلة. في النقش الغائر ، الذي يُطلق عليه أيضًا اسم مجوف أو نقش ، لا يتم قطع الخلفيات وتكون النقاط الموجودة في أعلى ارتفاعات مستوية مع السطح الأصلي للمادة التي تم نحتها. [ArtLex]

طريقة صب الرمل: طريقة صب في المعدن يتم فيها صنع قالب عن طريق تغليف طبقات من الرمل الرطب الناعم بإحكام حول تمثال. عند إزالة النسخة الأصلية ، يتم ترك انطباع دقيق في الرمال. [ArtLex]

النحت الطرح: نحت تم إنشاؤه عن طريق إزالة المواد من مصدر أكبر (على سبيل المثال ، حفر الرخام بعيدًا) بدلاً من البناء أو النمذجة (على سبيل المثال ، بالطين).

تتجلى الخصائص المرحة والإثارة لأسلوب الروكوكو بشكل أفضل من خلال منحوتات التراكوتا الصغيرة الحجم لكلود ميشيل ، الفنان المعروف باسم كلوديون (1738-1814). التماثيل مثل تسمم الخمر (حوالي 1780 - 1790) كانت نموذجية لأعماله ، وعرضت تعامله الدقيق والماهر مع الطين. كانت منحوتات التيراكوتا تحظى بشعبية كبيرة بين هواة جمع الأعمال الفنية في القرن الثامن عشر لعدد من الأسباب. أحدها أنها كانت صغيرة ومناسبة للعرض في المنزل أو الدراسة. والشيء الآخر هو أنها كانت تعتبر أقرب إلى نية الفنان الأصلية وإلهامه من الأعمال التي تُرجمت من الطين إلى الحجر أو المعدن. كانت أيضًا أقل تكلفة في كثير من الأحيان من الأعمال في الرخام والبرونز التي تتطلب المزيد من الوقت والجهد. بحلول الثمانينيات من القرن الثامن عشر ، كان أسلوب الروكوكو قد فقد شعبيته في فرنسا ، بسبب رد الفعل ضد الأعمال الفنية التي تفتقر إلى رسالة أخلاقية أو إشارة إلى الفن القديم والموضوع ، ومع ذلك ، استمر كلوديون في النجاح مع منحوتاته المنضدية. قام لاحقًا بتكييف الأسلوب الكلاسيكي الجديد مع عمله. كان كلوديون قد عمل هذا التمثال على منضدة ، أي طاولة خاصة ذات سطح قابل للتعديل يمكن أن ينقلب. تم تقديم هذا التمثال الصغير في الجولة إلى تلميع شديد من جميع الجوانب ، ويثير إحساسًا قويًا بالحركة والديناميكية التي كانت تحظى بتقدير كبير من قبل المشاهدين. تسمم الخمر هو الأول من بين العديد من الأعمال المشحونة جنسيًا في هذا الدرس ، وبعضها مثل هذا وكاربوكس الرقصة، تم تصوره تحت ستار ذريعة أسطورية.

كان جان أنطوان هودون (1741-1828) نحاتًا فرنسيًا كلاسيكيًا تدرب في الأكاديمية الملكية في فرنسا وفاز بالجائزة المرموقة. بريكس دي روما في عام 1764. تخصص في التماثيل النصفية والشخصيات الكاملة لشخصيات التنوير المعاصرة الهامة. بسبب الود الدبلوماسي لفرنسا والولايات المتحدة خلال تلك السنوات ، حصل على العديد من اللجان للصور من السياسيين الأمريكيين ، بما في ذلك بنجامين فرانكلين وتوماس جيفرسون. تمثاله جورج واشنطن، الذي تم إجراؤه بين عامي 1788 و 1792 ، بتكليف من الهيئة التشريعية لولاية فرجينيا ليتم وضعه في منزل الولاية. التمثال مليء بالمراجع الكلاسيكية ، بما في ذلك المحراث - في إشارة إلى الجندي الروماني القديم سينسيناتوس الذي عاد ، مثل واشنطن ، إلى مزرعته بعد انتصاراته العسكرية العظيمة بدلاً من السعي وراء سلطة سياسية أكبر. الرمز القديم لـ فاسيس، أو حزمة من القضبان المقيدة ، يتم تضمينها أيضًا. ال فاسيس هو رمز إتروسكي قديم للقوة من خلال الوحدة والقوة الجماعية. ضم Houdon ثلاثة عشر قضيبًا في هذه الحزمة لتمثيل المستعمرات الثلاثة عشر. يرتدي واشنطن الملابس المعاصرة ، وقد نجح في تكييف شخصية معاصرة لمفهوم مليء بالرموز السياسية القديمة. * يمكن مناقشة قضايا القوة والبطولة مع الطلاب هنا.

كان الإيطالي أنطونيو كانوفا (1757-1822) من بين معاصري هودون ، النحات الكلاسيكي الجديد الأكثر شهرة عالميًا في بداية القرن التاسع عشر. قام بإنشاء نصب تذكارية عامة واسعة النطاق ومنحوتات لرعاة من القطاع الخاص. بالإضافة إلى وجود العديد من الرعاة في وطنه ، فقد كان أقرب ما يمكن أن يصبح نحاتًا "بلاطًا" لنابليون الأول ملك فرنسا. عمل كانوفا أيضًا في عمولات للعديد من أفراد العائلة الإمبراطورية ، وأشهر أعماله هي صورة "مقنعة" لأخت نابليون ، بعنوان بولين بورغيزي في دور فينوس فيكتريكس، من عام 1808. في حين أن وجه بورغيزي مثالي ، فإن ثنايا المعدة تكون طبيعية بشكل أكبر ، وربما تكون قد صورت كانوفا بنفسها وهي عارية. تحمل بورغيزي تفاحة فينوس ، رمز انتصار الإلهة كأجمل إلهة بعد أن اختارتها باريس الفانية على هذا النحو. لم يعجب كاميلو زوج بورغيزي بالنحت ، حيث بدا أنه يؤكد شائعات بأن زوجته كانت منحلة. وهكذا تم وضعه في غرفة خاصة في Borghese Villa ، حيث كان يُعرض فقط لضيوفهم الحميمين ، غالبًا على ضوء الشموع. استخدم كانوفا الرخام بألوان مختلفة والتذهيب في العمل في إشارة إلى النحت الروماني القديم ، لكن التمثال كان أيضًا مبتكرًا للغاية ، حيث احتوى على محرك يسمح له بالدوران للمشاهد. وبالتالي ، تحدى كانوفا الشكاوى القديمة من أن النحت كان ثابتًا وقاسًا وأن المشاهد كان عليه أن يتجول حول منحوتة لتجربة ذلك بشكل كامل. بعد سقوط نابليون ، تفاوض كانوفا من أجل عودة الفن المنهوب الذي أخذته فرنسا من إيطاليا. **

بعد انتفاضات عام 1830 في فرنسا ، وصل أسلوب الرومانسية إلى ذروته في شعبيته.المثال الأكثر شهرة للنحت الرومانسي من فرنسا هو رحيل المتطوعين (مرسيليا)، ارتياح كبير يقع على قوس النصر في باريس عام 1836 على يد فرانسوا رود (1784-1855). يصور المشهد نسخة رومانسية من معركة فالمي ، حيث دافع المتطوعون الفرنسيون عن الجمهورية الأولى ضد القوات النمساوية البروسية. تاريخيًا ، كان بعض أفراد عائلة رود جزءًا من جيش المتطوعين. في حين مرسيليا يحتوي على كل الدراما والعاطفة والحركة المميزة للرومانسية ، كما يشير Rude إلى الزي العسكري الكلاسيكي ويضع شخصية استعارية من Liberty فوق الأشكال. [ملاحظة: كن حذرًا عند إجراء مقارنات مع نايك المجنح من Samothrace في متحف اللوفر Smarthistory يجعل هذه المقارنة ، لا يمكن أن يعرف Rude من هذا بالتحديد نايك, because he died in 1855, and the Hellenistic sculpture was only rediscovered in 1863.] The title refers to the French national anthem, the words of which were written in the same year as the battle (1792) by Claude Joseph Rouget de Lisle the words were set to music by Hector Berlioz in 1830. Also, Eugène Delacroix’s painting Liberty Leading the People, shown in the Salon of 1831, would have been a direct inspiration for Rude.***

Certainly the most famous, widely traveled, and reproduced American sculpture was the Greek Slave (1844) by Hiram Powers (1805–73). Typical of many Neoclassical artworks, the sculpture commented on the present by referencing a past event. Powers’s sculpture depicts a young, Greek Christian girl captured by the Turks during the Greek War of Independence (1821–32). While Powers had not intended the sculpture to be a commentary on the issue of slavery in the United States, it was seen as such by many contemporary critics. As the figure’s nudity challenged the Puritan sensibilities of the U.S., a small cross, an accompanying pamphlet written by a Reverend, and the usage of pure, white marble established the reading of the girl as pure. The sculpture was widely known because it was shown at Universal Exhibitions in London (1845 and 1851) and Paris (1855), and it toured many cities in the U.S. Six versions of the full-scale sculpture were ultimately made. Students should be reminded that the Neoclassical style persisted in the U.S. (here, into the 1840s) long after it was eclipsed by other styles, particularly in France.‡

Harriet Hosmer’s Zenobia in Chains was shown near Powers’ Greek Slave in London in 1862. Hosmer (1830–1908) studied with the Welsh Neoclassical sculptor John Gibson after she settled in Rome from 1852 to 1853. Her most famous sculpture is Zenobia in Chains, which depicts the queen of the Palmyrene Empire, shown here as she was forced to march through the streets of Rome as a prisoner after the defeat of her army in 272CE by the Roman emperor Aurelian. While Hosmer tended to focus on the trauma or death of her female subjects, Zenobia is shown as accepting her fate with courage. Though Hosmer could have been commenting on American slavery, history indicates that she was more likely referring to the contemporary struggle for unification in Italy. There were few prior visual interpretations of the subject, so Hosmer based her Zenobia on literary sources and a contemporary book entitled Celebrated Female Sovereigns (1831) by Anna Jameson. Sculptures that Hosmer saw at the Vatican Museums in Rome may have provided additional sources for the figure (e.g., the Athena Giustiniani و ال Barbarini Juno). Because of her gender, Hosmer was accused of not producing her own marbles. In response to criticism of her use of assistants, she published the essay “The Process of Sculpture” (1864) in الأطلسي الشهري, now a standard text in the history of nineteenth-century sculpture. It discusses, in part, the inequality between men and women working in the field of sculpture.

François Rude’s most successful student was Jean-Baptiste Carpeaux (1827–75), best known for his high-relief group for the façade of the Paris Opera entitled The Dance (1865–9). In this work, a winged personification of Dance is surrounded by six or more realistically rendered nude females. The sculpture is bursting with erotic energy, and critics were disapproving of the non-idealized bodies of the dancers and the choice of a sexualized, “indecent” subject for an architectural sculpture. On August 26 or 27 of 1869, a vandal threw a bottle of ink at the sculpture, and it stained the hip of the bacchante on the left and some of the surrounding area. The sculpture was cleaned five days later by a chemist. Indeed, the sculptural group caused so much outcry that it was slated to be removed and replaced however, the onset of the Franco-Prussian War made discussion of the sculpture less important, and two years later the idea to replace the group was forgotten. Since Carpeaux and his wife funded the overage expenses of producing the sculpture, Carpeaux produced and sold reduced-scale versions of the central genius figure to try to raise some of the money back. It could be interesting to see if the students would consider this sculpture controversial today, and, if not, how far an artist might go today in depicting sexualized subjects in public. A discussion of the body and nudity would also work here, especially in terms of what was deemed “acceptable” in public sculpture. If they believe that nudity in public art is now “acceptable,” one might bring up Marc Quinn’s Alison Lapper Pregnant (1999), which caused some reaction against nudity in public when it was displayed in Trafalgar Square in 2005. ‡‡

Auguste Rodin (1840­–1917) is today seen as the preeminent sculptor at the turn of the century. As a Symbolist, Rodin often dealt with the thoughts, emotions, and sensations, evoked by his sculptures, in an intellectual and less obvious way than found in Romantic works from earlier in the century In 1875, Rodin visited Italy for the first time, and the works of Michelangelo in Florence and Rome inspired him he also would have been familiar with Michelangelo’s Dying Slave و Rebellious Slave at the Louvre Museum in Paris. His first life-sized figure was his sculpture known as The Age of Bronze. It has formal similarities with Michelangelo’s Dying Slave, and was created in 1876 to be exhibited in the Salon of 1877. The original title of the work was Le Vaincu (المهزوم), and other titles included L’Age d’airain (airain is a synonym for bronze, but it could also refer to brass or iron) and The Awakening of Mankind. These titles make reference to the defeated party of a war and to the metals used in the making of the first weapons used to kill people. The life-sized Age of Bronze, sculpted using a former soldier in the Franco-Prussian War as a model, was so realistic to viewers that Rodin was accused of making a “life cast,” or a cast in plaster taken directly from a live model. While life casts are used frequently today without issue, in the nineteenth century, the process of life casting was considered to be a form of cheating. A number of established academic sculptors came to Rodin’s defense, and eventually a bronze version was purchased for the state. Students could be prompted to argue whether they feel that life casting was in fact a form of cheating, or if it was simply a step in the process of realizing an artistic concept. The theme of the body and nudity can also be brought up here. In this case, Age of Bronze was not meant to be displayed in a park, street, cemetery, or as part of a building. Instead, the issue here was related to the possibility that Rodin took a plaster cast from an actual body. Thus, people were viewing a “real” body, as opposed to the artist’s interpretation of a model’s body. Students might be asked to discuss issues of naturalistic interpretations versus idealistic interpretations in the modern period.

Because the École des beaux-arts in Paris did not accept female students, Camille Claudel (1864–1943) studied sculpture with Alfred Boucher at the Académie Colorossi. She worked in the studio of Rodin beginning in 1884. Due to their relationship, her work is unfortunately too-often compared to his within sculpture scholarship it is best to avoid such comparisons and focus on her work as advanced and individual. Claudel was often described as Rodin’s student, which limited her ability to move forward in her career. She also spent thirty years of her life in a mental institution however, it is not useful or necessary to present her as a victim. Instead, discuss her use of exceptional materials, such as jade, onyx, and electricity (in the form of electric lights), and her mixture of them within specific works, both of which were very innovative for the time. One of her best-known works is the sculpture entitled The Waltz, which was begun c. 1889–90 and was produced in many versions through 1905. It existed in plaster, bronze, gilded bronze, and a now-lost oxidized stoneware version. As with the sculpture by Carpeaux discussed above, the subject of the dance was laced with sexual connotations this was especially true with this group by Claudel, in which both figures were originally nude. At the time, the subject of the dance and the nudity of the figures were considered inappropriate themes for a female artist to undertake. She added the skirt-like drapery to the female figure to satisfy a request of the Minister of Fine Arts in the hopes that her commission for a marble version for the state would not be revoked. She saw the double standard in this, as most sculptures of nudes made by male artists were not rejected by the state. She was able to retain the commission, but she never completed the marble. The figures in The Waltz are intertwined and, like many of her sculptures, are full of movement, sinuous lines, and grace. Claudel began The Waltz in 1888, the year she met the composer Claude Debussy. Debussy received a cast of The Waltz that he kept on his mantelpiece, and his music may have been a source for the subject of the sculpture. Many Symbolists chose the theme of the dance as a representation of one’s movement through life (for example, Edvard Munch’s Dance of Life from 1899).

While Edgar Degas (1834–1917) is normally associated with the Impressionist movement, his sculpture entitled The Little Fourteen-Year-Old Dancer (1880) seems more closely related to Realism. Like sculptors before him, Degas was interested in the movement of figures in space in his sculptures. A young, scrappy dancing student from the Paris Opera (modeled by Marie van Goethem) stands in ballet’s fourth position before the viewer. The original wax version of this sculpture, complete with a wig, a silk hair ribbon, bodice, tutu, and slippers, was exhibited in the sixth Impressionist exhibition in 1881. This use of mixed media was a very modern concept, but viewers and critics criticized it, likening it to a voodoo doll and comparing it with the artist’s drawings of a criminal and with ideas of human degeneration, prompting Degas to remove it from the exhibition early. None of his other sculptures were exhibited during his lifetime, and all of the bronze casts of his work were made after his death. His sculptural work is now understood as avant-garde, and the sculpture is one of the best-known and best-loved sculptures of the nineteenth-century. There are currently twenty-eight known bronze casts of this sculpture in museums around the world.

After the death of the painter Gustave Courbet (1819–1877), the style of Realism continued strongly in the realm of sculpture. Images of working-class people involved in their usually grueling labor were the subject of these works. The Grand Peasant (1898–1902) by Jules Dalou (1838–1902) is an excellent example of Realism in sculpture. Rather than showing a perfectly well-built and idealized male figure, Dalou presents us with a tired-looking, yet dignified laborer. This work might have been placed at the top of Dalou’s Monument to Labor, begun in 1889 but never completed. Only the figure of the peasant was completed at life size the rest of the monument only exists in small maquettes and studies. However, the sculpture may have also been conceived as work independent of the monument. It was shown at the Salon of the Société nationale des beaux-arts in 1902 in honor of Dalou, who had recently died. The heroism of the common man was beginning to take hold in this period. A comparison with The Little Fourteen-Year-Old Dancer will help students visualize the image of the common worker and the presentation of different social classes (the workers versus who they are working for), and a comparison of The Grand Peasant with an image of a more traditional heroic figure, like Houdon’s جورج واشنطن, would certainly prompt interesting discussion on monuments and depictions of heroism.

Public sculpture commissions for streets, public squares, and cemeteries reached a high point at the end of the nineteenth century in the United States. One of the most prominent sculptors in America during this period was Augustus Saint-Gaudens (1848–1907). He created The Adams Memorial (1886–91) as a funerary monument dedicated to the wife of the writer Henry Adams. For Marian “Clover” Hooper Adams’s tomb, Saint-Gaudens combined the classical tradition in sculpture with an nod toward Buddhism, especially in the calm, spiritual, and meditative substance of the figure. Adams had visited Japan in 1886, the year after Clover’s death, accompanied by the artist John LaFarge. Adams instructed Saint-Gaudens to base his wife’s memorial on images of Guan Yin, the Bodhisattva of compassion. Michelangelo’s Sibyls on the Sistine Ceiling also inspired Saint-Gaudens. Stanford White designed the architectural portion of the monument, which includes a exedra bench in rose-colored granite Saint-Gaudens and White worked on numerous projects together, including the Farragut Monument (1881) and the revolving finial depicting the goddess Diana for the second Madison Square Garden (1891–2). The seated figure on the Adams Memorial is androgynous and thus seems to come from a more spiritual realm. Deep thought, mystery, and emotion were themes in Symbolist art that Saint-Gaudens successfully captured in this monument. Students might be asked to compare this sculpture with John LaFarge’s The Great Statue of Amida Buddha at Kamakura (1886) or his Kuwannon Meditating on Human Life (c. 1886).

في نهاية الفصل.

* Houdon: Setting up a comparison between Houdon’s جورج واشنطن and the Neoclassical work of the same subject by Horatio Greenough from 1840 would generate good discussion about “acceptable” and “unacceptable” presentations of a ruler. It would also show how long the Neoclassical trend persisted in the United States.

** Canova: Starting a dialog about Canova’s role in the repatriation of Italian art taken by the French could kindle a nice discussion of other issues of repatriation with students. For more detailed information on Canova’s repatriation campaign, see Christopher M.S. Johns, Antonio Canova and the Politics of Patronage in Revolutionary and Napoleonic Europe (Berkeley and Los Angeles: University of California Press, 1988).

*** Rude: Students might be asked to compare and contrast the Delacroix painting to the Rude sculpture in terms of context, composition, stylistic characteristics, and the politics of revolution and history of uprisings in France.

‡ Good comparisons on the theme of enslavement for students to make with the Greek Slave include Hosmer’s Zenobia in Chains Raffaele Monti’s Circassian Slave (c. 1851) John Bell’s أندروميدا (1851) and Bell’s American Slave (1853).

‡‡ A good discussion may arise from comparing Rude’s لا مرسيليز with Carpeaux’s The Dance. Both are ascribed to the Romantic style, and Carpeaux was Rude’s student, but Carpeaux’s work also has a palpable link to Realism. There are also some compositional and formal similarities and differences. The issue of reproduction of large scale works into smaller, marketable bronzes and works in editions can also spark a discussion of the “original” in sculpture.

Caterina Y. Pierre (author) is a full professor of art history and a co-director of Women’s and Gender Studies at CUNY-Kingsborough Community College. She is also a visiting associate professor at the Pratt Institute.

جون مان (محرر) محاضر مساعد في Lehman College ، ومساهم رئيسي في Artsy ، ومساهم في محاضرة ومحرر في Art History Teaching Resources and Art History Pedagogy and Practice.

AHTR ممتنة للحصول على تمويل من مؤسسة Samuel H. Kress ومركز CUNY للخريجين.


The painting embodies an extraordinary interpretation of the topic of the incarnation of the divine and human nature of Christ, which is between death and potential future life. All colors and shades of light are in the flesh tones.

The impact on Rubens by Roman sculptures is evident from the ancient altar with scenes of sacrifices, especially in the sculptural high relief of the figures. The dense color texture of the painting owes much later works of Titian, and the airy vibrato and gentle rhythms reminds the artworks of Correggio. Light, suddenly flashing in the dark area of the painting, suggests that Rubens originally competed with the chiaroscuro experiments of his modern Caravaggio.


The Deposition by Raphael (Room IX)

Also know as The Entombment, this 1507 painting by Raphael was completed when the artist was just 24 years old and is one of several works by the artist on show at the Borghese. The painting was commissioned as an altarpiece by a Perugian noblewoman, Atalanta Baglioni, in memory of her son Grifonetto, who was murdered in 1500. The faces of suffering and despair allude to the family’s grief, while the depiction of the swooning Virgin Mary on the right of the painting is a reference to the patron herself. It is thought that the face of Grifonetto is shown on the central figure turning away from the viewer.


شاهد الفيديو: Coffin Dance Official Music Video HD (قد 2022).